解构主义艺术在服装设计中的运用论文

解构主义艺术在服装设计中的运用论文

　　1解构主义概念

　　解构主义是由“结构主义”衍生出来，由物件内部结构的改变得以解构。曾有一位西方艺术家以自己的艺术行为来解释，他先是用中提琴演奏了一段古典音乐后，再将手中的提琴狠摔地上，用脚猛踩踏，然后又快速将已经惨碎的提琴碎片拼贴出一幅抽象画，使得原来完整的中提琴不复存在，而残缺的碎片拼贴出另外一种艺术形式。解构主义是对现代主义正统原则和标准批判地加以继承，运用现代主义的语汇，以颠倒、重构等方式，从逻辑上否定传统的基本设计原则，而产生新的概念。用分解的观念，强调打碎、叠加、重组，重视个体、部件本身，反对总体统一而创造出支离破碎和无规则的不确定感。解构主义理论出场后，在西方文化界引起了一阵解构热，影响到文学、艺术、社会学、伦理学、政治学以至神学等领域，从解构主义哲学下进行新的探究。它作为一种设计风格应用于艺术范围内的探索兴起于20世纪80年代。

　　2解构主义与当代服装

　　2.1解构主义服装概念

　　解构主义可以说是后现代时装审美和设计手法的重要表现，在时装设计中解构是对服装传统的颠覆，是不断打破旧解构的过程。在这个过程中，创作的感觉比创作和谐更重要，新的服装从合成过程到观赏过程，其意义处在一个不断流变的过程中。因此，其结构和含义都难以把握，设计师的作品不仅仅因为自身的理念所转移，还在于观众在欣赏作品过程中的参与，通过欣赏者对作品的欣赏角度出发去理解新产生的解构思绪。当我们看到解构主义服装的时候，我们的视觉会有压力，这种压力来源于非传统手段以及反常规的所谓优雅之类，而是有点摇滚的感觉、波普的刺激以及朋克文化的感官影响。这些作品激发出人类潜伏的另外一种情感和美感，一种类似破坏后的快感。解构主义的分离特征和破碎感不是随心所欲而为之的，是一种精心处理的最后表现。

　　2.2以设计师代表作为例解析解构设计在服装中的具体表现

　　时装中的解构主义重视对服装本身结构的研究，其设计理论是对服装原有的造型、款式等进行大胆改造，把服装原有的结构（肩、领、胸、腰等部位）分解拆散，然后重新组合，形成一种新的结构。解构主义服装往往是不对称结构，外观带有未完成的感觉，似乎构思凭借着偶然性去定义。由于突破了传统的设计思维模式，用此理念进行设计往往能取得非常规的服装外形和衣片结构，大致分为以下三种不同类型的解构方式：

　　（1）在服装结构中的解构。服装的整体结构是由服装的内部结构和外部轮廓构成的。服装的内部造型设计主要包括结构线、领型、袖型和零部件的设计。外型轮廓能给人们深刻的印象，在服装整体设计中对服装款式的变化起决定性作用。设计师主要通过服装的各个组成部分来看服装，将传统的服装款式构成结构重新分解，组合成新的服装结构，形成与以往不一样。在20世纪70年代初中西方文化密切交融的时代背景下，许多该时期表现杰出的日本服装设计师的设计作品展现在国际时装界，他们以独特的东方模式解构了当事巴黎时尚界的流行风貌。例如，高田贤三、三宅一生、川久保玲，还有山本耀司、森英惠等。其中设计作品众受好评的三宅一生，因其人体与服装新空间的创造被认为是服饰设计界解构主义服装设计师的开创者。他擅长结合东西方服装精神，创造服装新空间的探究，他在提及自己对服装结构的结构作品时曾说过，“在某些方面采取欧化的做法，同时又创造了身体与服装之间的新空间。”他从东方服饰文化与哲学中探寻全新的服装装饰与形式之美，采用东方的平面构成、直线剪裁，将传统的披挂、缠绕用到现代服装版型设计中。他的设计重视面料的创新，开创了面料与身体相分离的宽松、舒适的服装风格，这有别于先前西方反复强调的人体线条与追求感官刺激的传统服装设计。在三宅一生2011秋冬女装系列的设计中，当时品牌总监藤原大的告别品牌之作在表现了立体感廓型、几何形状与服装里的精致褶皱等三宅品牌女装固有的特色以外，增加了藤原大的创新构思，强调了新鲜的服装内部线条解构元素，以重组的设计手法表现当下女性柔美感。美国华裔设计师亚历山大王的设计作品灵感常常来源于建筑设计领域，他认为这两者一直以来都是互通的，80年代后期解构主义后现代建筑元素就是他摄取到自己品牌设计的构思来源。在他的2013春夏女装设计中，以解构主义为设计重点表达，将服装不同裁片之间以透明鱼线相连，每个部位宛如悬浮状态，他着重在服饰裁片分割上，将建筑物外材料分割转移到服装中，重新划分组合成新的姿态，利用色彩或材质来重组新搭配。

　　（2）在服装图形上的解构。解构主义设计的服装作品中，解构的已经不仅仅是某种具象的图案了，更多的是把杂志、录影带、DVD、VCD、电影、电视等各种载体图像重新剪辑与拼贴后，直接用于服装当中。不相干的图像之间的组合，加上不相干的样式，会造成历史的混淆、时间感的缺失，这些图像的表达意义由欣赏者自己重新组合。在图形的解构过程中，设计师大量采用各地区、各民族、各历史时期、各流派的手法风格，将自己置于过去和未来、激进和传统、中心和边缘、理性和非理性等模棱两可之间，以现实创作表现解构主义的包容性，而并不需要一个具体统一的图形主导。亚历山大麦克奎恩就是擅长在服装图案中运用解构主义设计手法的英国杰出设计师。他在其品牌2004秋冬发布会上发布了一组具有异国情调的作品，将来源于东方的灵感，通过中国传统的织锦面料，将不同的图案分解后重新组合在一起，强调图形的装饰含义。麦克奎恩对图形的解构改变了传统的审美，在传统与前卫间找到了平衡，创新了服装面料里图形、图案设计的解构主义手法运用，在视觉效果里找到平衡感。前卫设计大师加里亚诺，自然是不会缺席解构主义。在后现代主义的背景下，他的设计作品反映着解构主义风格。鬼才设计师约翰加利亚诺也是解构主义设计风格杰出代表人物，在他的2005年秋冬巴黎时装周作品中，明显可以看到巴洛克、洛可可时期服装结构轮廓的影子，巧妙地在细节处理中加入新鲜元素，异国情调的布纹和摇摇欲坠的夸张高耸头饰碰撞搭配，盘饰在假发髻上的领巾繁花似锦，且缀以狐毛尾巴和银饰，然后佩搭着黑白条纹、鲜丽民族图样，并且将如捏揉过的旧报纸造型的雪纺衣料剪裁编织，垂吊着空的铝制可乐罐与矿泉水瓶等旧物，以细节组合强调解构主义风格。通过服装面料设计与搭配的解构组合，合理利用环保与怀旧材料，将不可能进行可能的技法实现，传达自我的品牌设计理念。

　　（3）在服装材料运用中的解构。材料作为重要的载体之一，不仅是服装造型的物质基础，也是造型的艺术表现形式。解构设计师在进行创作时，对表现材料没有任何禁忌。他们使用任何可能与不可能的材料来进行布料创作，从植物叶片纤维到人造纤维，从粗糙的麻料到精密细腻的丝织物，甚至出现了采用人工合成材料、塑料材质、金属、光盘电线、木板等来制作服装。设计师运用不同材质面料的多样性，完成服装面貌的非理性表现，在面料二次再造中加入解构主义的新思维，推动新材料面料的呈现。英国设计师查拉扬作为一位异制材的永恒提倡者，在他的设计作品中新型特殊材料以解构的方式变化着。在他对非常规材料的运用中，合理采用解构主义中的切割、组合等方式表达设计风格，使他的作品往往充满解构主义的实验和创新色彩。他2006年在巴黎举行的2007春夏女装成衣作品中，由LED（发光二极管）技术制作而成的梦幻衣衫，带有春天梦幻气息的设计元素，融入服装新型材料的解构，向大众展现了前所未来有的感官突破体验；在“101”系列女装中，查拉扬同样将新型材料机械装置安置进了服装面料中，以5套裙子组合的系列，分别是五个年代不同女装风格的代表，通过自动机械带来具有高科技含量和未来感的时装，运用的是复杂巧妙的微电路板以及物理作用下产生的磁场效应，控制模特身上的服装，使得服装不翼而飞，以材料的创新表达解构风格化，传达了自己对解构主义理解后的设计快感。来自比利时的安特卫普六人组中的设计师马丁马吉拉，也是在服装中崇尚解构风格的设计师的典范，出生于20世纪50年代的他，亲身经历了后现代主义思潮由产生到发展壮大的过程，受了这种异形、异类、区别于传统设计思潮的影响，他的设计明显带有解构主义特征，重新界定了服装的概念。在该品牌2010秋冬高级定制系列中，他以废旧材料再利用为灵感，将皮革与皮草的这类较硬质的面料进行重组，将硬性面料在重组中表现批判时代的媒介，在处理过程中显示出来的解构主义，成了与以往高定有别的热门设计方法。在日本品牌川久保玲的2014春夏作品中，这场被大众评价为解构装置艺术展的时装秀，川久保玲用万物皆有的黑白两面来表达对犹如太极的世界的新理解，也就是阴阳的相结合。品牌成衣善于用几何精简概括的语言来表述设计灵感，将每款设计的具体细节分解成内、外、真、假部分，再依次进行组合。利用局部细节的设计进行整合。例如，外面搭配看似脚手架，里面却是礼服裙设计，整体看着像吊灯装置，其实是件廓形感强的裙装。利用不同材质组合成不同款式的服装廓形，再进行成体搭配，形成不同的视觉感产品。

　　3结语

　　当我们第一眼看见解构主义的时装时，我们的视觉会有些压力，这种压力来自于时装的非传统手段以及反常规的所谓优雅之类，而是有点摇滚的震撼、波普的刺激以及朋克文化的感观影响。这类作品激发着人类的潜伏的另一种情感和美感，一种累死破坏后的快感。解构主义的分离特征和破碎感不是随心所欲而为之的，是一种精心处理的最后表现。从30年前的先锋地位发展到今日，解构主义时装已经不再艰深晦涩，但是设计中掺杂的偶然机遇、荒诞组合、随意堆砌等各种颠覆性的手段依然令其保留了传统时装无法拥有的强烈的艺术气质。怎么样将解构主义的理念融入与时代变迁的风格服装设计中，成了设计师不断考究与创造的灵感主题。

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